This article examines my participation in the ACTOR partnership’s 2019-2020 Composer-performer Orchestration Research Ensemble (CORE 1), and the methodology for achieving blend in my composition, E-Rock. The CORE 1 project was comprised of performance and composition students collaborating on new compositions for the heterogeneous ensemble of violin, bass clarinet, trombone, and vibraphone/small percussion. After initially struggling with timbre-base composition, I drew inspiration from klezmer music and jazz to bring cohesion to the ensemble and used compositional techniques inspired by timbre semantics and aural sonology to explore blend. Collaborating with the ensemble’s performers played an important role in shaping E-Rock: discussing how to translate different imagery into musical gestures offered ways to treat the ensemble as one instrument and allowed for a deeper exploration of blend. Ultimately, E-Rock demonstrates numerous approaches to blend, be it by a common style, imitation, or textures that make the ensemble more than the sum of its parts.

Composée dans le cadre du projet Ensemble de recherche en orchestration contemporaine (EROC) du partenariat Analysis, Creation, and Teaching of Orchestration (ACTOR), la pièce Musica Ficta I : Chromaton (2022–2025) pour septuor est un collage de motets de Josquin Desprez (1450–1521). La recherche principale menée dans cette œuvre porte sur l’influence des techniques de jeu historiques sur la perception et l’incarnation du timbre, ainsi que sur la manière dont une historicité donnée, tant en ce qui concerne le matériau utilisé que le geste interprétatif qui lui est associé, façonne la sonorité et contribue, in fine, à la « co-création » du timbre. Des fragments de motets de Desprez sont réinvestis comme une forme de « codes sonores » porteurs d’associations, en lien avec leur gestualité sonore et affective rattachée aux textes originaux.

The 2021–2022 CORE Project (Composer-performer Orchestration Research Ensembles) at McGill University brought together three composers, a conductor, and a seven-piece ensemble for a collaborative research-creation process. This paper presents an analysis of the three pieces written during CORE 2 by composers Anita Pari, Louis-Michel Tougas, and Jihyoung Lee. The analysis focuses primarily on the role of the string instruments—both their role within the section and as related to other instruments—in terms of timbre and orchestration. Orchestrational phenomena are described and labeled using the orchestral grouping effects taxonomy developed by Stephen McAdams, Meghan Goodchild, and Kit Soden. In conclusion, the author offers a reflection on the impact her participation as the violinist of McGill’s CORE 2 has had on her life as a contemporary-music performer and pedagogue.

Analyzing Approaches to Orchestral Grouping and Integration in the Composer-performer Orchestration Research Ensemble (CORE) Yuval Adler, Robert Hasegawa and Joshua Rosner PDF | CITATION | AUTHORS Abstract The 2019–2020 Composer-performer Orchestration Research Ensemble (CORE) at McGill University challenged three composers (Quentin Lauvray, Pedram Diba, and Alexander Blank) and four performers (Elia Foster, Ryan Cass, Martin Daigle, and Jeanne Côté) […]

Triptyque du Cri est une œuvre pour huit instrumentistes qui explore le timbre comme moteur formel, à partir d’archétypes sonores susceptibles de déclencher des réponses psychoacoustiques et sémiotiques situées sur l’axe plaisant/déplaisant. Le processus compositionnel, articulé en sessions de test avec l’ensemble EMROC, combine la recherche théorique, l’orchestration assistée par ordinateur (logiciel Orchidea) et le feedback compositionnel. Quatre des sons cibles orchestrés (métal raclé, cloche, chuchotement et cri de bébé), chacun révélant des stratégies d’orchestration distinctes, sont présentés ici. Les résultats montrent que des configurations harmoniquement dissonantes peuvent être perçues comme agréables si leur timbre renvoie à un profil psychoacoustique familier, tandis que des textures timbriques tendues reposent parfois sur peu d’intervalles dissonants. L’étude met enfin en évidence les limites pratiques de l’orchestration assistée par ordinateur dynamique et confirme la pertinence d’un modèle de tension fondé prioritairement sur le timbre.

Le concept de figure de timbre composite dans Dégradés  pour ensemble. Le projet EROC comme incubateur Louis-Michel Tougas PDF | CITATION | AUTEUR Résumé Cet article a pour objectif de retracer mon processus de réflexion et de création en tant que compositeur dans le cadre de l’édition 2021-2022 du projet Ensemble de Recherche en Orchestration Contemporaine (EROC) à l’Université McGill. […]

Il est acquis de façon empirique par les musiciens que le son résultant de l’exécution d’une œuvre musicale est dépendant du geste, comme par exemple l’attaque des cordes au plectre ou à l’archet pour les instruments à cordes, la pose des doigts, le frappé de peau pour les instruments à percussion ou encore les fluctuations du souffle pour les instruments à vent. Si cet état de fait semble presque évident pour les instruments où l’interaction entre le geste et le système résonant est directe, cela semble plus spéculatif pour le piano pour lequel le son est obtenu au moyen d’un système mécanique très sophistiqué dont la conception s’est affinée au cours du temps, depuis les premiers pianofortes du XVIIIe siècle jusqu’au piano moderne, dans l’objectif, entre autres, d’obtenir une homogénéité et une régularité dans le son produit, et ce quel que soit le pianiste. Mais force est de constater, non seulement pour les pianistes eux-mêmes pour lesquels c’est une chose évidente, mais aussi pour les auditeurs, que chaque musicien possède une sonorité bien particulière et souvent très distinctive. Cependant, cette intuition ne peut, en général, pas se vérifier, les conditions d’exécution n’étant jamais les mêmes et les pianos étant différents, tout comme les salles ou les studios.