The 2021–2022 CORE Project (Composer-performer Orchestration Research Ensembles) at McGill University brought together three composers, a conductor, and a seven-piece ensemble for a collaborative research-creation process. This paper presents an analysis of the three pieces written during CORE 2 by composers Anita Pari, Louis-Michel Tougas, and Jihyoung Lee. The analysis focuses primarily on the role of the string instruments—both their role within the section and as related to other instruments—in terms of timbre and orchestration. Orchestrational phenomena are described and labeled using the orchestral grouping effects taxonomy developed by Stephen McAdams, Meghan Goodchild, and Kit Soden. In conclusion, the author offers a reflection on the impact her participation as the violinist of McGill’s CORE 2 has had on her life as a contemporary-music performer and pedagogue.

L’analyse musicale transformationnelle est un domaine en pleine effervescence au sein de la musicologie contemporaine et, en particulier, de sa branche systématique, pour faire référence à la célèbre classification introduite il y a plus de 150 ans par le musicologue autrichien Guido Adler (1885). Dans ce corpus désormais assez riche et diversifié, l’ouvrage collectif dirigé par Bozhidar Chapkanov représente une remarquable nouveauté à plus d’un titre.

Dans Conversation imagée 2019-2021, paru en 2022 aux Éditions de la Philharmonie de Paris, le musicologue et professeur à l’Université de Genève Nicolas Donin s’entretient avec Georges Aperghis (1945-), compositeur français d’origine grecque notamment reconnu pour sa pratique artistique au carrefour du théâtre musical, de la musique de concert et de l’opéra. Réjouissons-nous de cette parution qui non seulement renouvelle la forme de l’entretien, mais permet également de découvrir des dimensions encore peu explorées de l’univers et de la sensibilité du compositeur.

À une époque où la présence sur le web est un véritable diktat, les compositeur·rices ne font pas exception et se mettent en vitrine par le biais de sites personnels qui s’intègrent parfois à ce qui s’apparente à des portfolios numériques (page Facebook, comptes Twitter, Instagram, etc.). En quoi l’ère numérique modifie-t-elle la relation des compositeur·rices à l’espace médiatique ? Les nouveaux médias numériques changent-ils les conditions selon lesquelles les compositeur·rices promeuvent leurs œuvres ? Et, en ce qui concerne plus spécifiquement les écrits de compositeur·rices, quelle est leur nature et leur place dans leurs sites Internet personnels ?

Cet article porte sur les formes et les degrés d’investissement des médias sociaux chez les compositeur·rice·s de musique contemporaine. Les données sur lesquelles il repose sont tirées d’une série d’entretiens (filmés) menés auprès de six compositeurs appartenant à une même promotion (2017-2018) du « Cursus de composition et d’informatique musicale » de l’Ircam (Institut de recherche et de coordination acoustique/musique) : Bertrand, 32 ans, Français ; Daniel, 33 ans, Colombien ; Luciano, 36 ans, Brésilien ; Luis, 30 ans, Portoricain ; Scott, 29 ans, États-unien ; Tom, 27 ans, Français.

Nous nous proposons de contribuer à la réflexion sur le procédé de l’emprunt de matériaux appartenant au répertoire savant passé dans la composition au début du XXI^e siècle, dans le contexte actuel du dépassement du postmodernisme et de la reconnaissance d’un modernisme en prolongement. Nous étudierons, à cette fin, le cas de deux compositeurs actuels aux démarches opposées : celui du canadien Michel Gonneville, né en 1950, qui a été notamment élève de Gilles Tremblay, Karlheinz Stockhausen et Henri Pousseur, et celui d’Ofer Pelz, né en 1978, appartenant à la jeune génération de compositeurs récompensés par de nombreux prix internationaux, et notamment invité à la Biennale de Venise à l’automne 2014.