Qu’en est-il donc des œuvres en elles-mêmes ? Est-ce que l’inclusion de la technologie par les compositeur·rice·s dans la création vient redéfinir ce qu’est l’opéra au XXI^e siècle ? La présente étude vise à montrer dans quelle mesure l’utilisation des nouvelles technologies à l’opéra permet de revisiter le genre opératique en proposant une nouvelle hiérarchisation des paramètres qui le constituent, sans pour autant en proposer concrètement une nouvelle définition. Je suggère ici de considérer comme paramètres à la fois certains éléments qui émanent des définitions théoriques et de la construction sociale de ce genre – et donc du canon – puisqu’ils sont perpétués encore à ce jour par de nombreuses institutions.
Afin de démontrer cette nouvelle hiérarchisation des paramètres, trois œuvres récentes et novatrices seront ici examinées en guise d’études de cas. Choisies d’abord parce qu’elles sont identifiées par leur compositeur·rice comme des opéras, elles se démarquent également par leur traitement particulier d’un ou de plusieurs paramètres centraux à la tradition opératique. Le corpus à l’étude est ainsi formé d’EROR (The Pianist) (2019), un opéra instrumental composé par Georgia Spiropoulos, de l’opéra pour écouteurs Invisible Cities (2013) de Christopher Cerrone, et de l’œuvre installation Laila (2020) mise au point par Opera Beyond.

L’œuvre d’art est par nature non reproductible, unique. Ce statut lui confère une cohérence narrative et linéaire que l’on peut a fortiori considérer comme une finalité de la création artistique. La création appliquée a une finalité objective. En design, la forme dérive d’impératifs fonctionnels et la question esthétique est fondamentalement articulée sur ces impératifs. Le son « designé » procède de la production en série d’un objet sonore fonctionnel. Mais c’est aussi ce qui conduit cet objet à la « dépossession de son unicité » (Benjamin [1935]2003) et à son atomisation esthétique.

Les Rencontres nationales sur les recherches en musique organisées à Paris les 15 et 16 octobre 2021 par plusieurs responsables de la mission recherche, du service de l’inspection et de la délégation à la musique à la Direction générale de la création artistique du ministère français de la Culture, entendaient marquer la volonté de soutenir le développement des recherches dans les champs de la création en France, de rendre compte de leur multiplicité et leur variété, et de valoriser leurs acteurs, mais aussi de les considérer au regard de ce qui existe à l’international

Médiatrice culturelle indépendante et musicienne intervenante, Isabelle Ronzier travaille en tant que chargée de mission pour les Jeunesses musicales de France et pour l’Opéra Grand Avignon en collaboration avec le Conservatoire à Rayonnement Régional (CRR) du Grand Avignon et l’association culturelle pour le jeune public Le TOTEM. Depuis 2009, elle est également chargée de cours sur les questions liées à la médiation culturelle auprès des étudiants du CFMI (Centre de formation pour les musiciens intervenants) d’Aix-Marseille Université. En plus de ces activités, Isabelle Ronzier anime des ateliers d’écriture créative dans les musées d’Avignon. Ses compétences ne s’arrêtent pas là, puisqu’elle est également biographe d’artistes. Pour elle, ces activités multiples se regroupent en une seule et même posture : celle d’être à l’écoute des personnes qui l’entourent et d’être en capacité de capter leur parole.

Louise Campbell est clarinettiste, compositrice et médiatrice de la musique. Bien qu’elle vive et travaille à Montréal, elle est régulièrement sollicitée pour intervenir à divers endroits du Québec et du Canada (de Montréal aux Îles-de-la-Madeleine en passant par Ottawa). Équipée de sa clarinette, forte de son expérience de terrain et de son bagage artistique, elle part à la rencontre de publics toujours différents avec lesquels elle crée des moments de découverte et de partage autour de la musique.